Entrevista: Ediciones Popolet

POR PABLO RODRIGUEZ /

 

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Actualmente, con la llegada de nuevas tecnologías, es sensato afirmar que las imágenes dominan la cultura. A través de celulares inteligentes se ha posibilitado el registro instantáneo y difusión casi automática de imágenes en distintas redes sociales, ya insertas en el cotidiano de una generación. De esta manera, somos testigos de cómo la fotografía se ha transformado en el nuevo relato subjetivo, en el hito de cualquier acontecimiento dentro de una narrativa contemporánea.

Hoy en día hay tantos fotógrafos como teléfonos celulares, y cualquier destello de aura que le quedaba a la imagen, internet lo borró por completo. En este panorama pseudo apocalíptico para la fotografía, resulta difícil señalar los nuevos límites que la rigen dentro del campo del arte. Al mismo tiempo, es interesante observar de qué manera el propio medio fotográfico y los artistas vinculados a este medio, se relacionan con este proceso donde, tanto la información, como el conocimiento en general están sujetos a nuevos formatos.

Una reacción a este contexto ha sido la diversificación del formato físico de la fotografía, ampliando los lugares donde se inserta la imagen dentro de una narrativa poética. Así por ejemplo, vemos cómo cada vez existen más publicaciones de libros de artistas. Los libros de artistas son publicación pensadas y diseñada por artistas como una obra de arte en sí misma; en ellos las imágenes vuelven al formato clásico de un libro, pero apropiándose de esta estructura como una creación plástica. Si bien el formato de libro de artista existe desde mediados del s.XX, este boom actual es una clara respuesta de resistencia poética y un retorno por particularizar la imagen contemporánea.

Dentro de esta cruzada por resituar la imagen y la fotografía contemporánea en nuevos formatos, se encuentra la editorial chilena POPOLET. Fundada el 2014 por el artista Ignacio Gatica y la diseñadora Gracia Fernández, Popolet ya ha publicado a más de 13 artistas chilenos y este año participaron de la feria internacional del libro de artista en Nueva York.

 

Popolet

Editorial Popolet en New York Art Book Fair 2015

 

Primero que todo, acaban de llegar de una de las ferias más importante a nivel mundial para el libro de artista, New York Art Book Fair ¿Cómo fue esta experiencia?

Sin duda que esta feria era una de las grandes metas que teníamos como editorial, y haberla cumplido significó mucho para nosotros. La feria nos sorprendió, mucho más allá de lo que esperábamos. Conocimos a mucha gente e hicimos muchos contactos, fue enriquecedor en muchos sentidos y, sin duda, nos dio un impulso para seguir con el proyecto y participar en otras ferias que se realizarán en distintos países durante el año 2016.

Siendo ambos profesionales vinculados a la fotografía, la imagen y la cultura visual, ¿cómo se relacionan con el libro como objeto? ¿Cuál es el atractivo que los lleva a hacer un traspaso desde las fotografías al formato libro?

Siempre nos han gustado los libros como soporte. Lo interesante de los “libros de artista” es que se generan como “proyectos para las páginas” y se transforman en una obra en sí misma. La idea de este formato es democratizar la itinerancia que tiene una obra de arte, ya que una publicación, a diferencia de una obra estática, es accesible a una multitud diversa, en distintos lugares y momentos.

Dentro de los proyectos editados por Popolet, hay algunos que no tienen el formato del libro, sino que son simplemente imágenes, fotografías o afiches. ¿Cuál creen que es el vínculo de estos proyectos con los demás?, ¿Cómo eligen los proyectos que quieren realizar? ¿Cómo definirían la línea editorial de Popolet?

Nosotros queremos difundir libros y objetos; ambos son proyectos que plasman la nueva escena artística santiaguina. El proyecto editorial pretende ampliar los lenguajes gráficos tradicionales y así proponer nuevas formas de difusión, pero que a su vez tengan una relación íntima con la obra del artista. Nos importa mucho que el objeto editorial también sea una obra en sí misma. La curaduría está basada en esto mismo: elegir proyectos que sean capaces de representar una nueva escena chilena y, a la vez, que genere un nuevo formato de difusión.

 

Rafael-Guendelman_2015

Sin tierra de Rafael Guendelman, 2014

 

Al pensar en el progreso histórico de la imagen fotográfica, y cómo muy paulatinamente las imágenes comenzaron a introducirse dentro de los textos para ilustrar los contenidos, hasta el panorama actual, donde mucho de los contenidos son simplemente en imágenes, ocupando un lugar por sobre el texto. Para ustedes, ¿existe cierto origen comunicativo o abstracto de donde pudiesen provenir conjuntamente la imagen y el texto? ¿En qué se parece una imagen a un texto?

Nuestros caracteres y letras provienen de nociones miméticas de las distintas morfologías que nos rodean. De cierta manera en la evolución de nuestro lenguaje, éste ha quedado atrás frente a la representación fotográfica, tanto en detalle como en descripción de la realidad y aún más atrás de la capacidad descriptiva de las matemáticas. En realidad, la imagen y el texto cada vez se parecen menos, pero no por esto el texto deja de ser relevante, todo lo contrario. El texto posee una capacidad poética y comunicativa que se tiene que reivindicar del lenguaje publicitario, del slogan y su instrumentalización politizada.

A partir de lo que se puede observar en libros de artistas, en general, este formato es útil para adaptar o registrar (como una especie de bitácora) otro proyecto artístico que el artista está realizando en paralelo al libro. Por ejemplo, el libro “Práctica sola” de la artista Francisca Benítez, editado por Popolet, es una extensión de un proyecto que ella viene realizando con el lenguaje de señas. ¿Cómo se inserta el formato del Libro de artista en la producción artística contemporánea? y, más particularmente ¿cómo se inserta dentro de la producción de los propios artistas? Por ejemplo, tú Ignacio, has hecho tres libros, ¿qué lugar ocupan éstos dentro de tu producción artística?

En el caso del trabajo de Francisca, ese libro viene a ser una extensión de su obra, pero a su vez una traducción de la experiencia del trabajo performático que realiza desde el lenguaje de señas, otorgándole así otro tiempo, por su naturaleza efímera. Así también, el libro funciona como un diccionario donde se pueden entender algunas palabras en el lenguaje de señas en español, que corresponden a la performance misma.

En mi caso el formato de libro de artista ha sido fundamental para el desarrollo de mi obra, ya que no lo veo como una actividad aparte, sino que lo considero como una obra en sí. Por ejemplo, el libro que hice con Gracia (Gracia Fernández) “Hermiscambunario” fue una obra más dentro de la serie, ya que ahí es donde se entiende en su totalidad, tanto la explicación como la aplicación y la traducción de esa situación lingüística. En otros casos como en “Moleskine Adventures Part 2“, la realización me ha servido para acercarme a temas que han moldeado la dirección de mi trabajo, como la desfragmentación del lenguaje y la abstracción.

 

Francisca-Benítez_2015

 Práctica sola de Francisca Benítez, 2015

 

Gracia, tú eres diseñadora e Ignacio es artista. Es lógico que se dé el cruce arte/diseño, pero particularmente en Chile es difícil encontrar trabajos directamente colaborativos entre ambas disciplinas. Primero, ¿comparten esta opinión? Y segundo, si todos entendemos y vemos cómo el arte y el diseño hace bastante tiempo desbordaron sus límites territoriales, ¿por qué creen que en Chile todavía existe un profundo temor por parte de los artistas a vincularse con el diseño?

Puede ser, efectivamente, que exista un cierto temor de los artistas a interactuar con el diseño. Pienso que puede ser por la idea de que el diseño es superficial, decorativo, o la relación cercana que tiene el diseño con la publicidad. Creo que la coexistencia del buen diseño y la obra de arte se dejan de percibir como entes separados cuando el trabajo colaborativo está bien hecho. El diseño editorial es una ciencia que pretende pasar desapercibida, dándole estructura y valor al mensaje o la obra. Creo que en el mundo de los libros es donde mejor conviven ambas disciplinas, convirtiéndose en una sola, ya que uno como diseñador toma los elementos de una obra y luego éstos se reinterpretan para ser llevados a un soporte particular, pero a la vez muy libre, transformando una obra en otra, que se despliega a través del diseño.

Como despedida de esta entrevista, ¿Me pueden recomendar algunas editoriales y libros imperdibles dentro de los libros de artistas?

Printed Matter inc. es la organización más grande del mundo que se dedica a la promoción, difusión y apreciación de libros de artista, así que sin duda si están en NYC hay que visitar su tienda-estudio. Algunas editoriales que son referentes en el mundo de los libros de artista son: Alias, Diagonal Press, KayRock Screen Printing, Nieves, Pogo books, Mottobooks, Hueso records y Tijuana.

 

Printed Matter

   Local de Printed Matter en Nueva York

 

 

Pablo Rodríguez Blanco (1987)  Licenciado en Arte UC

http://www.pablorodriguezblanco.com/

 

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